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2009年6月26日 星期五
Creativity w/o Limitation
我在不同時間點看到兩篇文章，一篇是The Beginnings of Our Youth Art Ministry，關於創立Youth Art Ministry，鼓勵兒童創作的過程。另一篇則探討40年代，George Orwell針對Salvador Dalí的作品，以當時社會十分罕見的"中立"角度進行評論 - Why George Orwell was right about Salvador Dalí。
在閱讀這兩篇文章的第一時間，某些觀念觸動我因循的思考模式，但說不出個所以然。剛好最近有個作業得在下周完成，因此一個逼緊了的創作和這幾天的沉澱，讓我從這兩篇文章歸納出一個結論。
以我過去的經驗來看，我總認為創作是基於一定的基礎下的延伸，就拿視覺藝術類來說，應從素描開始奠定基礎，再進行其他媒材的創作，畫室老師的教學方式和缺乏自信的交互影響下，形成此根深蒂固的觀念。
但或許創作是唯一不需要考慮基礎的行為。我們能夠寫一篇文章或是侃侃而談，是經過多年的訓練和學習，這需要基礎；可是我們學會拿蠟筆在紙上胡亂留下色線、色塊，是隨心所致，漸漸的我們開始懂得畫出幾何圖形、人物的形體，在這些時候我們的創作「靈感」是來自於生活，來自於周遭的環境。
The Beginnings of Our Youth Art Ministry文中提到作者鼓勵學生創作的出發點，to stress the fun side of art – the non-traditional, non-judgmental side of creating. ...There are no mistakes, and we really encourage kids taking the projects off on entirely different tangents，我心想，以前都沒有鼓勵我把蟲子用膠水黏起來，大人只會嘲笑我想當愛迪生的夢想，台灣的教育有太多的規範限制我們。但我已經不是五歲的小孩子，不能只靠正增強來督促我行動，若說我學習素描，可是沒有人教我創作，所以我不懂得創作 - 這是多麼荒謬的論調啊！確實，如何把想法透過藝術傳達出來是需要經驗累積，但不是老師教你畫一筆，你就畫一筆，這是必須自己去理解領悟的過程。
同樣的，在另一篇關於George Orwell的文章，提到他認為Dalí的作品是病態且噁心的。坦白說我在西班牙看到數以百計的Dalí作品時，也有相同的感覺，但這卻無法抹滅我對作品的產生的驚嘆與佩服，這是一個很矛盾的心態，或許George Orwell就是因為察覺到自己對於這個讓人厭惡的藝術家的作品，不由得產生敬畏的心理，因此不願對它們做出任何結論，而是以中立、容許矛盾的態度面對：Never judge an article by its final sentence. Benefit of Clergy is a rare attempt to express, or to honestly attain, an ambivalent view of something that divides people into irreconcilable camps.
作者於文末做出這樣的總結：His attempt to express the delicate possibility that art can be right and wrong, good and bad, a work of genius and a thing of shame, is of a piece with his courageous vision. 我想這才是身為一個創作者應該抱持的態度，非關市場，非關好壞與對錯，以及，非關限制。
2009年6月18日 星期四
街頭藝術不街頭
我一直很喜歡街頭藝術，尤其是Graffiti。
上頭的第一張照片是伊朗德黑蘭的塗鴉藝術家A1one的街頭作品，第二張則是商品化後的玩偶。嗯，突然意識到Graffiti其實也算是裝置藝術的一種呈現方式，只有出現在街頭牆面上，在雜亂水泥色的背景中，才能表現作品的內涵，才能傳達某種意識（反戰、自由等，這裡）。當裝置藝術離開了所屬的空間，少了與空間的結合，便不能稱作「裝置」藝術；而離開街頭的塗鴉，也不再是Graffiti，而是創意市集中某件討喜的商品。
更多有趣的街頭藝術：
20 Subversive Works of Urban Guerrilla Street Art
上頭的第一張照片是伊朗德黑蘭的塗鴉藝術家A1one的街頭作品，第二張則是商品化後的玩偶。嗯，突然意識到Graffiti其實也算是裝置藝術的一種呈現方式，只有出現在街頭牆面上，在雜亂水泥色的背景中，才能表現作品的內涵，才能傳達某種意識（反戰、自由等，這裡）。當裝置藝術離開了所屬的空間，少了與空間的結合，便不能稱作「裝置」藝術；而離開街頭的塗鴉，也不再是Graffiti，而是創意市集中某件討喜的商品。
這是藝術家Adrian Kondratowicz（這裡）的街頭裝置作品，使用螢光粉紅和白色大圓點的垃圾袋，垃圾轉眼間變成了大包大包的禮物，街道也跟著流行時尚了起來，所以誰說垃圾只能用單調的黑色、藍色塑膠袋（或台北市專用塑膠袋）裝著，默默的作為髒臭的代名詞。另一方面，這樣鮮明的垃圾擺放在路邊，乍看之下妝點了市容，更讓人意識到垃圾的存在，從原本隱沒的保護色到刺眼的螢光粉紅，色彩的刻板印象頓時成矛盾與諷刺的行為註解。
更多有趣的街頭藝術：
20 Subversive Works of Urban Guerrilla Street Art
2009年6月12日 星期五
蔡永和光陰三帖@絕版影像館
最近聽朋友提到蔡永和先生的作品，在上海一間公司的藝術廊道展出，不同於一般單純的商業攝影，而是賦予商品的藝術價值（這裡）。看了部落格的照片後，覺得很不過癮，上網一查，他的作品恰巧正在新竹的絕版影像館展覽。
絕版影像館是今年初剛成立的藝廊，展覽作品以影像藝術（攝影照片）為主，創立目的是為了提振台灣攝影在藝術界的地位，因此創辦人不計成本的把它當作文化事業來經營，作為退休後的職涯第二春。除了對攝影主題的堅持外，展場在各方面都可說是台灣藝廊的先驅，像是預約參觀、入館須脫鞋等，但完全不會讓人感覺麻煩或不舒服，反而能照顧到每一位觀者的感受。這棟藏匿在小巷裡的展覽館是創辦人廖益嘉先生的舊居，保留了原本的味道和格局，僅重新粉刷和些微的設計，因此整個空間結合了新式建築的寬敞明亮和古早的氣息。
蔡永和先生的作品分為「時間流影」、「步移光影」和「光陰樹下」三個系列。每個系列都是在藝術家本身的風格下走出不同的味道。不論是色彩、氛圍、構圖，甚至是光影佈局和細緻度，都不同以往所見的攝影作品，畫面不僅能吸引觀者的目光，整個思緒都會陷入其中，讓人駐足許久，可說是僅可意會、難以言傳的好作品。
一樓是蔡永和先生的作品，二樓和地下一樓則是廖益嘉先生的作品，兩人的風格截然不同，由於該館是由廖先生創立，因此作品即成為該館的常駐展。
我對攝影的技術不了解，所以對於該不該使用Photoshop修改照片，沒辦法提出客觀的見解。但若以一個觀者的角度來看，倒是有個想法。對很多人來說，或許會用Photoshop或其他的繪圖編修軟體美化照片，但不見得常常使用其中的濾鏡特效（這裡），因此當看到透過電腦繪圖軟體創造出的油畫或筆觸感覺的寫實照片，會感到非常新鮮特別，但對於經常使用這些特效的設計工作者來說，有些太過明顯的特效，看久了還滿膩的，這樣的呈現方式，很容易聯想到軟體本身的特效功能。
館中不少讓人印象深刻的作品，拍攝與後製的過程儼然成為另一種藝術的創作方式，超越了攝影單純的記錄與敘事意義，而有了進一步的對話空間。
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With Snap Art, Turning Your Photos Into Art Is a Snap，能夠做出油畫、水彩等各種效果（這裡）
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